Texte de Laurence Imbernon, in catalogue expo « Christophe Vigouroux », Musée Municipal, La Roche-sur-Yon;  Passages-Centre d'Art Contemporain, Troyes; Galerie Le Sous-Sol,  1994

À propos de ses peintures, Christophe Vigouroux insiste sur le fait que leur sujet provient d'images trouvées: publicités, illustrations de prospectus, emballages ou décors. En somme, des images qui visent à conditionner l'esprit du spectateur pour l'inciter à la consommation.  Christophe Vigouroux retourne alors la situation : ces images toutes faites, peintes à nouveau, élargies dans leurs dimensions et inscrites dans le contexte confortable des images artistiques, réveillent nos sensations par leur aspect quelque peu cocasse ou doucereux. «L’espace de la peinture, dit l'artiste, est alors un piège.»

L’oeuvre de Christophe Vigouroux se fraye un chemin entre l'image cadrée et notre inconscient qui cherchera souvent - et c'est rassurant - à briser ce cadre par le réflexe de la sensation.  Cela se retrouve également dans une série d'aquarelles et de dessins: un grand carnet de croquis où sont campées les situations du quotidien, grotesques ou amusantes.  Un titre «cale» l'image dans le genre du croquis de situation, comme on parle de comique de situation.

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C'est sans cynisme aucun, cependant, que Christophe Vigouroux réintroduit une dimension de représentation du quotidien, légère quoique piquante.  Il éveille malicieusement notre regard à une intelligence du banal qui frôle sans cesse l'infantile ou le pervers.

Texte de Sophie Duplaix, conservatrice au Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, écrit en 1999, à l’occasion d’une exposition itinérante en Europe « France, une nouvelle génération », exposition organisée par d’ADIAF, commissaire Jean Marc Prévost.

Peindre à partir d'images "trouvées", familières, c’est, pour christophe vigouroux, nous attirer subrepticement vers cette peinture que l'on dit malmenée, en perte de vitesse, dont la pratique aujourd'hui, paraît presque suspecte. C'est nous montrer combien celle-ci recèle encore de possibilités, combien elle conserve intacte sa capacité à déranger, à séduire, même dans son exercice le plus traditionnel, l'huile sur toile, et avec, de surcroît, un choix de sujets parmi les plus banals. C'est en effet dans des images quotidiennes que nous ne regardons plus, mais que notre inconscient a assimilées depuis longtemps, que Christophe Vigouroux puise l'essentiel de son inspiration. il s'agit d'images prélevées sur les emballages de produits de grande consommation, dans les catalogues promotionnels, et, plus récemment, d'images issues de l'histoire de l'art, plus précisément de celle qui se raconte par le truchement des couvercles de boîtes de chocolats ou des produits dits "dérivés", commercialisés dans les boutiques des musées. ce sont donc ces images a priori sans qualité que l'artiste retient, images vouées à une reproduction de masse, images-signes destinées à provoquer un réflexe d'achat, images, donc, sans subtilité, mièvres ou tape-à-l’oeil, dont le seul but est d'être efficaces, peu importe le registre utilisé.

A ces images, Christophe Vigouroux fait subir une véritable opération de "régénérescence". il les décontextualise, les recadre, isole un détail, pousse à l'extrême leurs caractéristiques plastiques (couleurs montées, contour flous dus à la reproduction en série, etc.), et les peint, à l'huile sur toile. Parfois même il les déforme, d'où par exemple ce chien qui gambade, issu d'un emballage de produit pour chiens, et devenu subitement monstrueux
dans sa course : "le vrai respect du chien", précise ironiquement le titre de l'œuvre, renvoyant de façon faussement naïve au slogan publicitaire. Avec « brassé  nature » (je sais ce que je mange), le dessus onctueux d'un pot de yaourt est devenu une flaque d'un vert artificiel et résolument suspect, en complet décalage  avec le produit naturel annoncé dans le titre, repris de l'emballage.

En réinjectant des images dans le contexte de la peinture entendue ici dans son acception la plus conventionnelle, qu'il s'agisse de la technique, de l'accrochage, du traitement des sujets par genre - portraits (Charles VII (au lait cru)...), natures mortes (aux fruits...), paysages (naturellement efficace...) -, Christophe Vigouroux cherche à retrouver un ordre dans cette profusion d' images à laquelle nous sommes quotidiennement confrontés et questionne notre propre manière de consommer l'image. Le "quoi faire en peinture?" répond au "qu'est-ce-qu'une image?" dans un subtil jeu de va-et-vient. La peinture révèle l'image, sa pauvreté comme son caractère offensif, en somme, son fonctionnement, particulièrement pervers lorsqu’il sert de support à la consommation ; l'image révèle la peinture, classique dans sa forme et pourtant si neuve, si imprévisible, avec cette formidable capacité à éveiller tour à tour chez le spectateur un sentiment d'inconfort, d'inquiétude, de bonheur, de plénitude. C’est là l'affirmation d'une peinture éternelle, pleine de surprises et de possibilités, d'une peinture-piège susceptible tout à la fois de dénoncer et d'émouvoir. Parallèlement à son travail de peinture, Christophe Vigouroux réalise de nombreuses aquarelles, sortes "d'exercices d'assouplissement". Exécutées de façon très spontanée à partir d'observations tirées du quotidien, elles sont achevées lorsque l'artiste arrive à un "carrefour de sens", quand surgit un hiatus entre titre et dessin, provoquant sourire et malaise.

C’est entre ces deux pôles que l'artiste nous tient sans cesse : le rire peut jaillir, mais il reste en suspens, car le propos, somme toute, est souvent grave, et le regard du peintre bien loin d'être innocent.

Texte de Jean Marc Prévost, in Acquisitions 1992-2001, catalogue des collections du Musée Départemental d’Art Contemporain de Rochechouart

Christophe Vigouroux revisite les catégories traditionnelles de la peinture (portrait, paysage, scène de genre) en explorant les images du quotidien qu'il sélectionne indifféremment dans les magazines, revues ou livres d'histoire de l'art. L'iconographie médiatique ou publicitaire repose sur des stéréotypes, des fragments de la réalité recomposés et idéalisés qui ont pour seul mission la séduction par la proposition d'un "surréel". On pourrait avoir la tentation de penser l'œuvre de Vigouroux comme un des derniers avatars des stratégies des artistes pop mais sa position est à chercher résolument du côté d'une réflexion sur ces images qui perturbent notre rapport au réel. Surdimensionnées, déformées elles révèlent ce qu'elles ont d'incongru et d'inquiétant jusqu'à dévoiler leur force subliminale. La peinture, sans leur faire perdre leur identité de produit, lié à un contexte donné, leur permet de retrouver une forme de virginité en les rendant unique par le biais du tableau.

L'utilisation du répertoire de l'histoire de la peinture (Mantegna, Léonard, Vermeer, Ingres) nous oblige de constater que tous les sujets se valent mais aussi que les modèles des images publicitaires sont à trouver dans les codes iconographiques de la peinture. Christophe Vigouroux joue du détail, du fragment décontextualisé comme dans Madame Moitessier, un gros plan du tableau d'Ingres, qui nous place à la fois face à un magnifique tissu digne d'une image publicitaire dans un magazine de décoration et à un remarquable morceau de peinture. Cette réflexion sur les icônes de l'histoire de l'art et des discours qui les accompagnent est à penser, sans hiérarchie prédéterminée, avec la présentation des figurations les plus banales comme Le Fort en Chocolat, simple carré, issu d'une grille-tablette de chocolat noir.

Texte de Rosemarie E. Palke, in catalogue exposition « Dessins français contemporains » des collections du FRAC Picardie, Museum am Ostwall Dortmund, Kunstverein Freiburg, Kunsthalle Erfurt, 2000-2001.

Christophe Vigouroux est passé maître dans l'art de l'anecdote.  Si l'on en croit la définition du Larousse, une anecdote est un « bref récit d'un fait curieux ou pittoresque, susceptible de divertir; histoire ». Cette forme méconnue d'un genre majeur - peu importe qu'il s'agisse de littérature ou d'art plastique - Vigouroux la manie en virtuose.  Il met le doigt sur les plaies de l'ordinaire.  Par une dissection minutieuse, il fait parler nos actes quotidiens les plus anodins et y découvre l'essence de la vie.  Notre existence est loin d'être un long fleuve tranquille, composé exclusivement de jours fériés et de moments de pur bonheur... Non, nos jours sont aussi jalonnés de contraintes.  La vie, c'est aussi sortir le chien, tondre le gazon, ramasser la serviette qui vient de vous échapper des mains au sortir du bain, s'apercevoir que l'on vient de commettre une gaffe irréparable ou distinguer une étrange lumière dans la nuit... Ces sensations, ces morceaux de vie taillés dans le vif, Christophe Vigouroux les pioche au coeur de la vie ordinaire.  Ses histoires ne comportent pas nécessairement de chute.  Et c'est précisément en cela qu'il se différencie des caricaturistes, des auteurs de bandes dessinées ou de ses collègues comme Sempé ou Quino.  Son mode de narration est sans contrainte, il reste maître des effets, des émotions et des sous-entendus. (…)

Texte de Françoise-Claire Prodhon, in « L’image peinte en question », ART PRESS Hors Série n°16 « Où est passé la peinture ? », 1995

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ATTIRE ET REPOUSSE

Pénétrer la peinture de Christophe Vigouroux c'est sauter à pieds joints dans un univers ludique, celui d'Alice ou de Gulliver. Le réel, identifié, tangible, y bascule imperceptiblement dans l'espace du piège. Surdimensionnées, ces figures du banal deviennent .singulières, voire inquiétantes. Vigouroux part d'une image trouvée et dûment choisie (publicités, emballages de produits alimentaires ou de produits d'entretien, prospectus, un répertoire qu'il a récemment élargi aux fragments d'oeuvres appartenant à l'histoire de la peinture : Mantegna, Léonard de Vinci, Vermeer, Ingres, etc.). Et Vigouroux de revisiter non sans ironie les catégories traditionnelles de la peinture : portrait {Charles 111 an lait cm), paysage (Spécialités du monde), nature morte (Régénérant)... Si elles ne perdent pas leur identité de produit, ne serait-ce que parce qu'elles en conservent l'intitulé, ces images vouées à une production et à une diffusion de masse retrouvent une forme de virginité en redevenant uniques par le biais du tableau. Puis vient la plongée au cœur de l'image, l'effet de mise en abîme: zoom sur un biscuit de la marque « Prince », puis détail (gros plan sur la tête de la petite effigie), et détail du détail (l'œil minuscule du personnage, un trou dans le gâteau, devenu gigantesque et énigmatique sur la toile). Ici. c'est la facilité de l'image qui est pure illusion. Au-delà de ce qui peut-être vu dans l’immédiateté du tableau, la lecture ne peut s'effectuer qu'au second degré, au-delà de l'aspect lisse, bienveillant et gentil, de cette iconographie de Supérette ! Deux questions se posent face à ce travail. La première concerne l'appropriation pratiquée à de nombreuses reprises par les artistes au 20ème siècle depuis les collages cubistes et dadaïstes. Celle-ci vise à s'attribuer une image existante qui appartient déjà autant à son concepteur qu'à la collectivité. D'ailleurs, plus l'image est connue et plus cette appropriation est troublante. Le travail de Vigouroux peut évoquer celui des pop-artistes, Warhol notamment), voire des gestes d’appropriation plus complexes encore (Elaine Sturtevant) Cependant, ce geste ne semble pas intéresser particulièrement Vigouroux, qui retraite l'image en la modifiant légèrement, (grossie, fragmentée, floue, celle-ci est quelque peu malmenée). Ce qui nous amène à la deuxième question : séduit, intrigué par les images qu'il choisit de peindre, l'artiste l'est certainement dans un premier temps, mais ces étiquettes ou emballages criards, conçus pour attirer l'œil de la ménagère, trahissent, une fois peintes, leur pauvreté, et curieusement aussi leur caractère offensif ou agressif. Attiré, et immédiatement repoussé, le spectateur reste désarçonné par ces tableaux. Le sentiment s'avère plus singulier encore lorsque Vigouroux détourne les détails d'œuvres exemplaires de l'histoire de la peinture : pied et stigmate du Christ mort de Mantegna, sourire de Mona Lisa et autre oeil de Mademoiselle Rivière que le spectateur reconnaît confusément sans toujours en identifier l'origine. Le plus gênant pour le spectateur est que les sujets ici se valent et que la démarche quelque peu  « irrespectueuse »  de l'artiste

nous renvoie à notre propre manière de consommer l'image, y compris l'image peinte que le succès relègue souvent à un motif ornant les couvercles de boîtes de pralinés (impressionnistes), les maillots du tour de France (Mondrian) et autres objets joliment nommés « produits dérivés » qui font la fortune des boutiques de gadgets...

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